Con ecos de It Follows, Leviticus convierte el amor en una fuente de terror para construir una reflexión sobre la culpa religiosa, la represión sexual y el miedo a aceptar quiénes somos.
Por Miguel Vázquez
No cabe duda de que 2026 se ha convertido en uno de los mejores años recientes para el cine de terror. Apenas unas semanas después de los exitosos estrenos de Obsession y Backrooms, llega a nuestra cartelera Leviticus, una película que, pese a las inevitables comparaciones con It Follows, encuentra la manera de construir un relato único y profundamente desolador.
La historia sigue a Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen), dos adolescentes que viven en una comunidad cristiana ultraconservadora en Australia. Ambos comienzan una relación romántica que pronto es descubierta por sus familias y por la congregación a la que pertenecen. Como consecuencia, son sometidos a un ritual de “conversión” destinado a erradicar su homosexualidad. Sin embargo, el procedimiento consiste en invocar una entidad diabólica que comienza a perseguirlos y atormentarlos.
Lo más perturbador es que este ser adopta la apariencia de la persona que más te gusta. A partir de ese momento, el amor que ambos sentían comienza a transformarse en miedo y desconfianza.
“Ellos quieren que nos tengamos miedo”, dice uno de los protagonistas en uno de los momentos más tensos de la película. La frase sintetiza a la perfección la premisa de Leviticus. Porque aunque la cinta presenta una entidad sobrenatural como antagonista, el verdadero horror nunca proviene de ella, sino de la forma en que la sociedad intenta corregir o eliminar todo lo que no comprende.
Cuando la persona que te gusta se convierte en tu peor pesadilla
Leviticus toma su nombre del Levítico, el tercer libro de la Biblia, un texto que históricamente ha sido utilizado para justificar discursos de rechazo hacia la comunidad LGBT+. A partir de esa referencia, la cinta construye una alegoría sobre la culpa religiosa, la represión sexual y las consecuencias de obligar a alguien a negar quién es realmente.
Uno de los mayores aciertos del guion es mostrar cómo este tipo de ideologías terminan contaminando incluso los sentimientos más genuinos. La entidad adopta la apariencia de la persona amada, y por ello los protagonistas no sólo deben enfrentarse a una comunidad que rechaza su relación, sino también al miedo de que sus propios sentimientos puedan destruirlos. Es una metáfora dolorosa sobre cómo la culpa y la represión terminan transformando el amor en algo que parece peligroso.
En ese sentido, la película construye una atmósfera de terror sumamente efectiva. Sí, existen algunos jumpscares bien ejecutados —particularmente una secuencia nocturna cuando uno de ellos duerme en su cama—, pero el verdadero miedo surge de la tensión y la incertidumbre que invade a los personajes. Naim y Ryan nunca pueden estar completamente seguros de quién tienen enfrente y de ahí surge una desconfianza que prácticamente les impide estar juntos.
La película encuentra una idea brillante en las reglas que establece para su criatura. La entidad sólo puede atacar cuando sus víctimas están solas, obligándolas a permanecer cerca de otras personas para sobrevivir. Sin embargo, mientras más avanza la historia, más aislados se sienten ambos protagonistas. Es una contradicción que realmente funciona, necesitan de la compañía para mantenerse con vida, pero al mismo tiempo son rechazados por la comunidad que los rodea. De esta forma, el filme convierte el aislamiento social que experimentan muchas personas LGBT+ en una amenaza tangible y aterradora.
Una historia de amor dentro del terror
El filme funciona por las increíbles actuaciones de Joe Bird y Stacy Clausen. Ambos construyen una relación creíble y llena de matices, transmitiendo con naturalidad la ternura, el miedo y la desesperación que atraviesan sus personajes. La química entre los dos resulta fundamental para que el espectador se involucre emocionalmente en la historia, especialmente porque la película entiende que, antes que una cinta de terror, también estamos frente a una historia de amor imposible.
Por otro lado, Mia Wasikowska lo hace increíble como Arlene, madre de Naim. La actriz entrega una interpretación fría y controlada. Arlene está convencida de que está ayudando a su hijo, incluso cuando lo somete a un sufrimiento indescriptible. La película deja entrever que conoce perfectamente las consecuencias del ritual e incluso la posibilidad de que termine en tragedia, pero aun así decide seguir adelante. Ese fanatismo disfrazado de amor convierte al personaje en una figura mucho más perturbadora que cualquier monstruo sobrenatural.
La fotografía también luce increíble. Aunque gran parte de la historia se desarrolla en espacios abiertos, la puesta en escena encuentra la manera de hacer que los personajes parezcan atrapados. La escuela, la iglesia e incluso sus propios hogares terminan sintiéndose como extensiones de una misma prisión ideológica. Conforme aumenta la paranoia, los encuadres refuerzan la sensación de encierro y vulnerabilidad.
Donde la película encuentra su principal obstáculo es en la inevitable comparación con It Follows. Las similitudes son evidentes: una entidad que persigue a sus víctimas, la sensación constante de paranoia y varios elementos relacionados con el aislamiento emocional. Sin embargo, sería injusto reducir Leviticus a una simple copia. La especificidad de su discurso y la forma en que transforma el deseo en una fuente de terror le permiten construir una identidad propia.
Leviticus confirma que el mejor cine de terror sigue siendo aquel que encuentra monstruos en el dolor de nuestra propia realidad. Más allá de sus influencias evidentes, la película construye una historia triste sobre el miedo, el rechazo y la necesidad de aceptarnos tal como somos. La entidad que persigue a sus protagonistas puede resultar aterradora, pero nunca tanto como una sociedad dispuesta a sacrificar a sus propios hijos en nombre de la intolerancia. Ahí es donde la película da su golpe más devastador.
